"Cendrillon (Cinderella)"

Opera en cuatro actos con libreto en francés de Henri Cain y música de Jules Massenet basada en el cuento de "La Cenicienta" de Perrault. Se representó por primera vez en París en el año 1899.

Lucette, conocida como Cendrillon, vive con su padre, su madrastra Madame de la Halteire y las dos hijas de ésta. Vive relegada a una vida de servidumbre hasta que su Hada Madrina le concede el deseo de ir al baile real, en el que el Príncipe debe elegir a su futura esposa.

Tomando como base el cuento de Perrault, Cain escribe la historia dotándola de un toque satírico que se refleja en el desfile de las pretendientes o en la representación de las hermanastras. Además, el papel del príncipe es un papel travestido interpretado por una soprano falcon o de sentimiento (una voz soprano oscura y dramática característica de la ópera francesa).

El montaje de la Royal Opera House me gustó (suelen hacer montajes de calidad) haciendo buen uso de los colores y las luces. Especialmente me gustó que las paredes estuviesen decoradas con textos del cuento. La música es bonita y sin ser intensa consigue transmitir emotividad.

En cuanto a los intérpretes, forman un conjunto armonioso, destacando Joyce DiDonato en el papel de Cendrillon y Eglise Gutierrez en el papel del Hada Madrina.

Una forma diferente de acercarse al cuento de Perrault.

PD: segunda ópera que veo que tiene un final feliz. 

"Norma"

Ópera en dos actos con música de Vicenzo Bellini y libreto en italiano de Felici Romani, se estrenó en La Scala de Milán en 1831. Su aria "Casta Diva" es una de las más conocidas dentro del repertorio operístico.

Norma, suma sacerdotisa, se enamora del procónsul Polliono con el que tiene dos hijos en secreto, que quedan al cuidado de Clotilde, fiel amiga de Norma. Por ello aboga por la paz entre los celtas, liderados por su padre Oroveso y los romanos. Pero Polliono se ha enamorado de otra mujer, Adalgisa, sacerdotisa al servicio de Norma, lo que desembocará en tragedia.

La representación que ha hecho el Teatro Real de esta ópera es una maravilla. La obra te podrá gustar más o menos, pero lo que no se puede negar es que desde el vestuario hasta las luces todo se ha cuidado al máximo detalle, para generar una sensación mágica. Con una mención especial a los efectos de imagen que han utilizado.
En cuanto a la historia, tenemos al personaje de Norma, una mujer compleja que se debate entre ser la suma sacerdotisa y su deber al pueblo, ser madre o ser la amante del procónsul y lo que supone de traición a su gente. Un personaje débil y fuerte, compasivo y vengativo, que no deja indiferente.
Junto a ella está Polliono, que tan pronto ama a Norma como ama a Adalgisa, un personaje que no me ha despertado ninguna simpatía. Y completando el triángulo tenemos a Adalgisa, una joven inocente que respeta a Norma y aunque ama a Polliono, al descubrir su relación con Normal, elige su amistad con ella y su propia dignidad por encima de su amor a Polliono. Me alegra que por una vez las dos protagonistas no se peleen por un hombre que es tóxico y que sólo les ha hecho daño.


Una historia que como el 95% de las óperas acaba dramáticamente, pero que contiene pasajes preciosos, como la anteriormente mencionada "Casta Diva" o el dúo de Adalgisa y Norma "Deh! Con te li prendi".

"Iolanta/Perséphone"

Doble programa compuesto por "Iolanta" de Piotr Ilich Chaikovski y "Perséphone" de Igor Stravinsky, con dirección musical de Teodor Currenzis y dirección de escena de Peter Sellars.

"Iolanta" es una ópera lírica que cuenta la historia de Iolanta, una princesa que no conoce su condición ya que su padre, el rey Renato le ha ocultado su enfermedad, prohibiendo que el séquito que cuida de ella le hable de la luz. Cuando conozca al caballero Vaudémonto, descubrirá la verdad sobre su condición."Perséphone" es un melodrama con orquesta, coro, danza, oratoria y un tenor, que narra el rapto de Perséphone a manos de Hades. Un descenso a la oscuridad y vuelta a la luz, un acto de entrega a los desvalidos y atormentados.

Ambas obras no sólo comparten director musical y director de escena, sino que utilizan la misma escenografía y la misma puesta en escena abstracta, siendo esa abstracción más evidente aún en "Perséphone".

No conocía ninguna de las dos obras y mientras "Iolanta" me ha gustado, "Perséphone" no me ha convencido nada. 

"Iolanta" es una historia sencilla, de un solo acto y con un aura mágica ya que tenemos a una princesa escondida en un paraje paradisíaco, un médico que viene de un lugar lejano y una cura basada en el deseo de ver de la protagonista. Todo ello acompañado de la bella música compuesta por Chaikovski.

Con unos buenos intérpretes que durante 1 hora y 45 minutos nos hacen creer en la magia, en el amor y en la belleza de la luz. Y además, tiene el aliciente de ser una ópera con final feliz.

Por su parte, "Perséphone" mezcla la danza camboyana con una oratoria y un tenor, todo ello acompañado por el coro y la orquesta. Y esa mezcla no me ha convencido. No se puede negar que se hace una aproximación diferente al mito de Perséphone, que aporta su reflexión sobre la compasión y el no mirar hacia otro lado cuando vemos a los afligidos, sobre la decisión de bajar al abismo para llevar luz y esperanza. Pero la puesta en escena me ha resultado tediosa y pesada, haciendo difícil el terminar de ver la obra.

Dos propuestas diferentes para quien quiera salir del círculo de óperas clásicas.

"Roberto Devereux"

Ópera trágica en tres actos con música de Gaetano Donizetti y libreto en italiano de Salvatore Cammarano. Se basa en la obra “Elisabeth d’Angleterre” de François Andelot. Se estrenó en el Teatro San Carlos de Nápoles el 29 de octubre de 1837. 

Junto con las óperas “Ana Bolena”, “María Estuardo” e “Il Castello di Kenilworth” forma el grupo de obras compuestas por Donizetti que tratan el periodo Tudor de Inglaterra. 

Roberto Devereux, Conde de Essex y antiguo amante de la reina Elisabetta, se enfrenta a la acusación de traición y una condena a muerte. Elisabetta, quien todavía lo ama, está dispuesta a otorgarle el perdón, sin saber que Roberto ama Sara, la esposa de su mejor amigo el Duque de Nottingham. 

Esta es una obra de la que no había oído hablar. Hay óperas como “La Traviatta”, “Aída”, “La Boheme” o “Rigoletto”, que al menos te suena aunque sea el nombre. Pero de esta ópera no sabía nada. Y ha sido un descubrimiento. 

Como todas las óperas tiene un final trágico y partiendo de la premisa de dos parejas condenadas al fracaso no es de extrañar. Pero una ópera no se ve esperando un final feliz (algo que tampoco estaría mal), sino que se disfruta de su música, de unos personajes con fuerza y de unos conflictos que nos hacen reflexionar. Y además, cuando terminas de ver una ópera llegas a la conclusión de que tu vida en comparación, no es tan mala. 

De esta obra me ha gustado todo. La música de Donizetti, preciosa, las interpretaciones de todos los artistas, en especial Mariella Devia en el papel de Elisabetta, y el montaje que ha hecho el Teatro Real, que sin ser ostentoso, ayuda a sumergirte en el ánimo de la historia. 

Una historia de amores truncados, amistades rotas y celos funestos. Una historia de una mujer que no puede ser reina y amante al mismo tiempo. Ya lo dicen en un momento de la obra, “cuando eres reina no vives para ti”.

"Rigoletto"

Ópera en tres actos con música Giuseppe Verdi y libreto de Francesco Maria Piave, colaborador habitual de Verdi.

La obra se basa en el texto teatral de Víctor Hugo "Le Roi s’amuse", censurado en su momento ya que representaba al rey Francisco I de Francia como un seductor cínico e inmoral. Para que el Consejo de Censores Austriacos permitiese su representación, Verdi y Piave tuvieron que realizar algunos cambios trasladando la acción a un ducado de Italia y cambiando el personaje del rey por el Duque de Mantua. Finalmente la ópera se estrenó el 11 de marzo de 1851 en La Fenice.

La obra tiene como protagonista a Rigoletto, bufón de la corte del Duque de Mantua, que se burla de los maridos de las mujeres que conquista su señor y de todos los miembros de la corte, que buscan la manera de vengarse de Rigoletto. La última conquista del duque ha sido la hija del Conde Monterone que es mandado arrestar por aquel. Mientras es llevado a prisión, el conde lanza una maldición sobre el duque y Rigoletto.

Cuando la hija secreta de Rigoletto sea seducida por el duque, Rigoletto, temeroso de la maldición, hará todo lo posible para protegerla.

Esta es una de las óperas más conocidas, sobre todo el aria "La donna è mobile", y más representada. En ella se nos muestra la angustia de Rigoletto por proteger a su hija de los vicios de la corte y de las ansias seductoras del duque, y al mismo tiempo su desprecio a unos cortesanos de los que se burla y a los que sirve.

No ha sido una de las óperas que más me ha gustado, llegando incluso a aburrirme en algún momento. El montaje del Liceu que he visto era minimalista, jugando con los colores de los trajes y las luces. Una aproximación a la obra interesante, pero que no me ha terminado de convencer. 

Los artistas realizan buenas interpretaciones, sobre todo Carlos Álvarez en el papel de Rigoletto, pero es la trama la que no me ha terminado de atrapar.

"La Boheme"

El Teatro Real, durante este periodo de cuarentena, da acceso gratuito a su contenido ofrecido a través de la plataforma My Opera Player. Con el código OperaEnCasa se puede acceder a un amplio repertorio operístico.

Aprovechando esta estupenda iniciativa, vi la ópera "La Boheme" de Puccini, obra que ya en su momento me recomendó mi madre, mucho más culta que yo en cuanto a ópera y música clásica se refiere.

Esta ópera consta de cuatro actos, con música de Giacomo Puccini y libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica. Se basa en la novela por entregas "Escenas de la vida bohemia", de Henri Murger.

La historia se ambienta en París alrededor del año 1830, en el que un grupo de jóvenes artistas comparten una casa en el Barrio Latino, y con ello su amistad, ilusiones y amores. La trama central es la historia de amor de Rodolfo, un joven poeta, y Mimí, una joven modista. Y fluyendo alrededor de ellos, la vida de los artistas de París que oscila entre la pobreza y los sueños por cumplir.

En esta ocasión, la producción del Teatro Real, en coproducción con la Royal Opera House de Londres y la Lyric Opera de Chicago, cuenta con la dirección musical de Paolo Carignani, la dirección de escena de Richard Jones, el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real y los Pequeños Cantores de la ORCAM. En los papeles principales tenemos a Stephen Costello (Rodolfo), Anita Hartig (Mimí), Etienne Dupuis (Marcello), Joyce El-Khoury (Musetta), Joan Martín-Royo (Schaunard), Mika Kares (Colline), José Manuel Zapata (Benoît) y Roberto Accurso (Alcindoro).

Aunque en su estreno no tuvo un gran éxito de crítica y público, "La Boheme" se ha convertido en una de las óperas más conocidas y representadas. Una historia que comienza alegre, con un grupo de amigos que buscan vivir de su arte, que no pierden el sentido del humor a pesar de las adversidades y que saben aprovechar cualquier momento de felicidad. Pero la vida nunca deja de dar lecciones, y pronto aprenden que la realidad puede ser mucho más dura que lo sueños que tengamos.

Con una puesta en escena cuidada al detalle y un montaje que no se esconde entre bambalinas, sino que el espectador es testigo de todos los cambios que se producen en el escenario, como si estuviese pasando las hojas de un álbum fotográfico; nos sumergimos en el París del siglo XIX, con su bullicio y su colorido, pero también con su pobreza y su gélido invierno.

Los intérpretes realizan una buena labor ofreciendo un buen repertorio y mostrando la pasión de esos jóvenes que quieren hacerse un hueco en la vida bohemia de París. La química entre los cuatro jóvenes es palpaple y la historia entre Rodolfo y Mimí nos hace sentir ternura y tristeza a la vez.

Una ópera que aunque no escapa a la regla de final trágico de todas las óperas, nos deleita con escenas alegres y vitales, llenas de humor.

"La Gioconda"

Ópera de Amilcare Ponchielli representada en el Gran Teatro del Liceu, con libreto de Arrigo Boito, dirección escénica de Pier Luigi Pizzi y dirección musical de Guillermo García Calvo. Con Saioa Hernández como La Gioconda, Dolora Zajick como Laura Adorno, Ildebranto DÀrcangelo como Alvise Badoero, Maria José Montiel como La Cieca, Brian Jagde como Enzo Grimaldi y Gabriele Viviani como Barnaba.

La Gioconda es una obra emblemática del periodo comprendido entre la madurez verdiana y el incipiente verismo. Es una obra que posee momentos de gran lirismo con una gran escritura vocal para los papeles de Laura, La Ceica, Enzo o Barnaba. Sus piezas más conocidas son el aria "Suicidio de la Gioconda" y "La danza de las horas".

Narra la historia de La Gioconda, joven de la Venecia del siglo XVII que es abandonada por Enzo al reencontrarse éste con su antiguo amor Laura, esposa del inquisidor de la República, Alvise Badoero. Despechada y carcomida por los celos intenta separar a Enzo y Laura para después, arrepentida y en agradecimiento a Laura, que anteriormente había salvado a su madre La Cieca, acusada falsamente de brujería por Barnaba, ayudarles a escapar de Venecia. La ópera finaliza con el suicidio de La Gioconda que lo ha perdido todo.

Esta es una ópera que no conocía, dentro de lo poco que sé sobre Ópera, ni siquiera el nombre me resultaba familiar, a diferencia de otras óperas como La Boheme o La Traviatta. Y he de decir que me ha sorprendido gratamente. Como todas las óperas, es una sucesión continua de tragedias que finalizan en una aun peor. Hay personajes como Barnaba realmente despreciables, otros como La Cieca que es pura bondad y por último, personajes con claroscuros como La Gioconda, Enzo y Laura que muestran todo tipo de emociones según la situación en la que se vean inmersos.

La puesta en escena es magnífica con un decorado en tonos grises que contrasta con los tonos malva, rojos y azules del vestuario. La famosa pieza de ballet "La danza de las horas" es interpretada en esta ocasión con una coreografía intensa por momentos y simbólica. Y los cantantes dan lo mejor de sí con unas voces portentosas (me gustaron especialmente Maria José Montiel y Dolora Zajick).

Una historia digna de ver y escuchar. Con personajes que a pesar de actuar correctamente no tienen el final que merecen, ya que la vida no es siempre justa, y los que realizan actos viles no siempre reciben su justo castigo. Al igual que hay personajes que consiguen su deseo a costa del sacrificio de otros. 

Porque la vida es azarosa y nunca sabes por donde va a ir encaminada. Y si es una ópera, además, sabes que no puede acabar bien, porque tragedia y ópera van de la mano.

"Fausto"

Ópera en cinco actos con libreto de Jules Barbier y Michel Carré a partir del "Faust et Marguerite" de Carré y "Faust" Parte I de Wolfgang Von Goethe. Con música de Charles-Francois Gounud.

Director musical: Dan Ettinger; Director de escena: David McVicar; Coro y Orquesta de la Royal Opera House.

Fausto: Michael Fabiano; Mephistópheles: Erwin Schrott ; Marguerite: Irina Lungu; Valentin: Stephane Degout.

Dentro del ciclo de óperas que se retransmiten de forma simultánea en varios cines del mundo en directo desde la Royal Opera House (en el caso de Las Rozas se retransmiten desde los cines El Séptimo), tuvo lugar la representación de la obra "Fausto".

Fausto ha llegado al final de su vida siendo un hombre de reconocido prestigio que sin embargo no ha sido capaz de disfrutar de la vida ni del amor. En un acto de desesperación y tentado por Mefistófeles, que le muestra una visión de la joven y bella Margarita, ven su alma al diablo para poder disfrutar de una segunda juventud.

Con una gran puesta en escena, un rico vestuario y unas coreografías cargadas de emoción se nos muestra las más bajas pasiones del ser humano. La lujuria, el hedonismo, la violencia, la rabia y la vanidad. Empezando por Fausto que no duda en vender su alma al Diablo para conseguir el amor de Margarita, para una vez alcanzado su deseo abandonarla, pues ya no es la imagen idealizada que se había formado de ella. Y luego tenemos a la propia Margarita, que se deja embaucar por unas joyas y un hombre apuesto, condenándose en el proceso. Y entre ellos, Mefistófeles, embaucador, carismático y conocedor del alma humana. Él mueve los hilos sabiendo qué teclas debe tocar y consigue engañar a todos, salvo a Margarita, que aunque condena su alma en un principio, al final consigue la redención refugiándose en su fe.

Una ópera llena de fuerza, imágenes potentes y unas actuaciones a la altura de la historia que se cuenta. Y cargando con el peso de todo ello, Erwin Schrott, brillante en su papel de Mefistófeles y verdadero protagonista de la historia.

"La forza del destino"

Ópera en cuatro actos con música de Giuseppe Verdi, libreto de Francesco Maria Piave a partir de "Don Álvaro o La fuerza del sino" de Ángel Pérez de Saavedra (Duque de Rivas), con una escena de "Wallensteins Lager" de Friedich Von Schiller y texto adicional de Antonio Ghislanzoni.

Director musical: Antonio Pappano; Director de escena original: Christof Loy; Dramaturgo: Klaus Bertisch; Coro y Orquesta de la Royal Opera House.

Don Álvaro: Jonas Kaufmann; Donna Leonora: Anna Netrebko; Don Carlos de Vargas: Ludovic Tézier. 

Dentro del ciclo de óperas que se retransmiten de forma simultánea en varios cines del mundo en directo desde la Royal Opera House (en el caso de Las Rozas se retransmiten desde los cines El Séptimo), tuvo lugar la representación de la obra "La forza del destino". 

Nunca he sido aficionada a las óperas, pero cuando tienes a una melómana en casa al final acabas probando y descubres un nuevo mundo. Esta ha sido la primera ópera que he visto y la verdad es que ha sido toda una experiencia. Con la ventaja añadida que en este formato de visionado hay entrevistas con los cantantes, el director....con lo cual aprendes mucho sobre lo que vas a ver y eres consciente del trabajo que hay detrás. 

Como todas las óperas la historia empieza con un evento funesto y acaba de la peor manera posible. Leonora y Álvaro son amantes. El padre de Leonora no aprueba la relación y ellos planean escapar, pero el día de su huida el padre de Leonora los descubre y accidentalmente Álvaro lo mata. Desde ese momento sus caminos se separan y a la angustia de esa separación se une la persecución de Carlos, hermano de Leonora, que ha jurado vengarse de ambos. No obstante, eso da igual ya que lo importante es lo que ocurre de un punto al otro. Como se despliega el decorado en escena, como se juega con los efectos de iluminación, como el elenco que acompaña a los actores principales canta y baila en escena, como la orquesta acompaña en cada momento en una ejecución perfecta. Y luego tenemos al trío principal. Cada uno despliega un chorro de voz que deja asombrado a quien los escucha. A eso se une la capacidad de transmitir el dolor, el odio y al angustia de sus personajes, obteniendo unas interpretaciones maravillosas.

Una ópera con fuerza, pasión y tristeza. Con un apartado musical de gran calidad que mitiga la pena que deja una historia abocada a la tragedia desde el principio.